Hola a
todos.
Este texto tiene
como una de sus motivaciones principales algunas charlas e intercambios de mensajes que he mantenido vía Facebook y
personalmente con algunos amigos y amigas –artistas, historiadores/as del arte,
estudiantes de carreras de curaduría, etc. - Algunos de ellos se reconocerán en
las líneas que siguen; por todos ellos y sus opiniones tengo el mayor respeto y
agradezco los intercambios pues me permiten entender algunas cuestiones con más
claridad.
Me pregunto
cuál es el motivo de tanta indignación y de los acalorados debates que –según
me cuenta una estudiante de la carrera de curaduría de la UNSAM- se dan entre
sus compañeros cuando surge el tema del arte contemporáneo que, al parecer,
divide aguas. Y también me pregunto por qué algunos historiadores del arte que
también son curadores se irritan tanto ante la naturaleza efímera y degradada
–o más bien degradable- de muchas obras actuales, ¿por qué ese apego a los
objetos?
Hace muy
poco, una amiga con extensa trayectoria como historiadora, art dealer y
curadora me envió, vía mensaje cerrado de Facebook un link que pego aquí:
acerca de
la subasta de una obra de Urs Fischer, -(artista
a mi juicio más que interesante ya que vi su obra en la bienal de Venecia el año
pasado y me pareció buenísima- pueden buscarla en internet- y según mi interpretación, esa obra mostraba
con mucha claridad la disolución de un concepto de “obra de arte” y de su
correspondiente “espectador”)- o más bien de la subasta de lo que quedó de
una obra de Urs Fischer, ya que la misma estaba realizada en cera y su destino
era precisamente ése: ser derretida. Parece que el eventual comprador/coleccionista
pagaría una cifra millonaria en dólares, y lo que compró es “el concepto de la obra”, y
mi amiga estaba indignada con esta situación, tanto como con el hecho de que el
tiburón de Hirst se pudra, ya que los grandes artistas del pasado hacían sus
obras “para durar”. Dejando de lado la cuestión de que en realidad nada está
hecho para durar, ni siquiera el universo, no entiendo bien cuál es el enojo
–de mi amiga y de muchísima gente más- frente a la caducidad; cuál es el
sentido de ese enojo que casi siempre se manifiesta cuando aparece el mercado
de por medio. Me refiero a que es “vergonzoso e irritante” que alguien pague un
millón de dólares por “un concepto” o que otro pague ya no recuerdo cuántos
millones por un tiburón que se pudre, o que un premio de treinta mil o
cincuenta mil pesos le sea otorgado a unos calamares podridos dentro de unos
zapatos viejos y una bolsa de plástico. Eso parece ser lo escandaloso, pero eso
es un problema del mercado. ¿Importa si algún idiota decide invertir un millón
de dólares en cera derretida? Suponiendo que se trate de un idiota y no de
alguien muy hábil y astuto que está haciendo una operación por medio de la cual
lava uno o varios millones de dólares. Eso es el mercado del arte y no tiene
nada que ver con las obras, con el interés que las obras puedan tener. Irrita que
unos calamares podridos ganen un premio de varias decenas de miles de pesos
pero nadie parece reparar en el hecho de que –más allá de muchas otras
connotaciones relacionadas con la muerte-, no es un dato menor que el olor a
podrido se esparciera por una feria de arte, que es lo mismo que decir por el
mercado del
arte, por ese mercado en el cual se lavan cientos de miles o millones de
dólares provenientes de quién sabe donde.
Eso es el mercado del arte. Las obras no tienen
que ver con eso y no deben juzgarse desde esa perspectiva.
Tal vez lo
más interesante que tiene el arte contemporáneo es esta capacidad para irritar,
para provocar, para desafiar la comprensión de espectadores que aún están
posicionados nostálgicamente en una concepción de la obra y del arte que
pertenece a paradigmas que han sido desbordados por los acontecimientos
históricos.
¿Se puede
separar el Arte del mercado del arte? Probablemente no, ya que vivimos bajo el
imperio de la forma mercancía. Sin embargo todos sabemos que son cosas
diferentes. Si no lo fueran, el Arte no existiría y sería sólo un producto más
entre todos los demás productos; una simple mercancía.
Si pudiéramos
separar Arte y mercado de arte ¿Qué sentido tendría la indignación ante las
cotizaciones de obras contemporáneas o modernas? ¿Con quién o con qué nos enojaríamos?
¿Con los que compran un montón de cera derretida en un millón de dólares? Hoy
escuché que la actriz Jeniffer Aniston compró una mansión por 21 millones de
dólares y que gastará una cifra enorme en reformarla. No escucho a nadie
indignarse ante esa clase de noticias, eso no es delirante, pero comprar por
varios millones un tiburón que se pudre sí, así de instalada tenemos la lógica
del capitalismo. Comprar una casa en 21 millones está bien, si es un tiburón
no, pero en realidad todo es lo mismo en el mercado, todo es delirante y
arbitrario; una casa o un tiburón, lo mismo da.
Si dejamos
de indignarnos por el precio que alcanzan las obras en el mercado del arte, y
nos centramos en el problema específico de las obras, aún tendremos mucha gente
indignada ante objetos, acciones, conceptos, procesos, etc, que a su juicio no
pueden ser considerados como obras. Si hablamos con esa gente veremos que sus
argumentaciones son nostálgicas y están ligadas a una idea de obra y de Arte
que podríamos situar entre los siglos XV y XIX, ni siquiera el XX pues allí ya tenemos a Duchamp y también la
experimentación con todo tipo de materiales, arte conceptual, land art, la desmaterialización del arte, body
art, performances y hasta la mierda de artista de Piero Manzzoni.
Los
detractores del Arte contemporáneo argumentan que este es una farsa, que eso no
son obras; seguramente admiran a Monet y a Seurat, a Picasso y a Braque,
olvidando que en su momento, para los críticos conservadores y el público de la
época, lo que hacían esos artistas eran porquerías. Y si admiran el barroco
–con lo cual ya estaríamos bastante más atrás- olvidan seguramente que para las
teorías clásicas del arte ese período era “decadente”; pasó bastante tiempo
hasta que Walter Benjamin rescatara la forma alegórica propia del barroco como
constituyente de toda obra de arte, en contra de lo afirmado por las teorías
clásicas de la forma simbólica.
Una amiga
me hizo notar también que mucha gente sólo considera como obra a aquello que ha
demandado muchas horas de trabajo. Una obra sería entonces un objeto en el cual
puede percibirse tiempo, esfuerzo y
dedicación, y por supuesto, un “bello resultado” y por lo tanto, unos calamares
podridos en unos zapatos viejos dentro de una bolsa de plástico serían sólo una
operación descarada de algún arribista. El Arte, para esta concepción, es “un
hacer”, no puede comprenderse que el Arte es pensamiento, que el Arte es para
el pensamiento, en síntesis, que el Arte no son “objetos”, sino otra cosa, de
la cual el objeto es, en todo caso, un mero indicador. Cuanto más bello, más
trabajado, más cuidado es el objeto, más corre el riesgo de transformarse en un
señuelo que, justamente, no deja intuir esa “otra cosa”, y el incauto
espectador quedará prendado sólo del “oficio” y
“las horas de trabajo” puestas allí.
Finalmente,
podríamos identificar otro problema de orden, digamos, psicológico. Aferrarse a
la durabilidad de los objetos debe ser una defensa, un escudo bastante eficaz
contra el fantasma de nuestra propia caducidad. Aceptar, comprender
profundamente que nada está hecho
para durar, sería lo mismo que intuir que tal vez nada tenga sentido en el universo, ni siquiera
el universo mismo. Eso debe producir una profunda angustia.
Un Arte que nos recuerde permanentemente que la
caducidad es la ley general de todas las cosas, ha de ser intolerable.
Hasta la
próxima
El Pato.
